第一章.绘画性的基本内涵
绘画性亦是画面上的绘画痕迹，它们以某些独特的制作方法产生特殊的视觉效果。这个痕迹除了笔触造成的，还主要是指包括有意识留出的作画过程中的制作痕迹，无意识产生的偶然痕迹，由材料不同造成的痕迹等等。批评家锻炼在惠特尼双年展的文章《最后的前卫》中（注 ），谈到这个观点：“所谓绘画性，不仅仅指具象的造型，而主要指作品的制作特性对人的综合感受和思维能力的启发，指艺术客体的制约性和欣赏主体的感受性两点。”他的这句话，同时也说明了绘画痕迹在作品中的作用，就是把画家头脑中的抽象艺术思维转化成具体的物质的可见绘画轨迹，当观众欣赏画面的时候，这些所谓的绘画轨迹就起到指引的作用，带引观者追溯画家的情感体验和思维活动，甚至也会引申观者独特的思考。比如中国古代壁画作品上的斑驳痕迹，正是它独有魅力的绘画性。尽管这是由于很多客观原因造成的意外效果，但不得不承认这经过时间千洗的色彩更加沉着，色层脱落造成的斑斓，更增加了壁画的耐看度和神秘感。青年画家刘商英（左图），他在作画时候就是很主动地保持了过程中的一些流淌感，一些不经意的色点，以及他通过大刮板作出的效果，都让我们能置身其中地感受到云层翻滚，大气磅礴的气象。
第二章.绘画性在中西方绘画史上的发展
第一节﹑西方
绘画性的地位受到威胁是在 19 世纪末开始并逐渐深化的。当时受各种纷繁复杂的思潮影响，文化艺术中各种主义纷纷登上舞台，各种流派此消彼长，前仆后继，打开现代主义的大门。其中达达主义首次挑战了绘画性，“达达”具有一种玩世不恭的恶作剧性质，他们主张否定一切否定理性和传统文明，拒绝约定俗成的艺术标准，主张用偶然的，即兴的方式组合错乱的语言，开辟了颠覆绘画的先河。1917 年，杜尚把小便池放在博物馆，彻底挑战了传统的艺术绘画。与达达一脉相承的波普艺术使艺术与工业机械文明相结合，直接运用现成品和大众传媒，极大地冲击了绘画的存在。20 世纪 60 年代，产生了极简主义，主张把绘画的语言简化到清晰明确的抽象形状和平整光滑的色块，开放作品自身在艺术概念上的空间。这个画派直接表明排除艺术家主动性和情感表达，相应的绘画性也被拒之门外。随之，整个艺术界对概念越来越被重视，出现了广泛影响的观念艺术。它的出现是一个转折点，标志着艺术家对画面的关注彻底转移到艺术的概念上。
第二节﹑东方
中国油画的传入比较晚，是从明万历年间开始的，但却是西方绘画历史的缩影。19 世纪末 20 世纪初，一批有志青年留学归来，创办学校，报刊，组织展览，以徐悲鸿等人为代表建立了一套西方写实的的基础体系，几乎研习的全苏联的模式。20 世纪 80 年代，改革开放和思想解放的风气给艺术带来了自由的空间，使艺术领域有了拓展，青年艺术家追寻学习西方现代主义的风格，绘画形式多种多样。不同与西方此起彼伏的风格变换，在中国几乎这些流派和各式绘画同时进行着。这个时期，虽然很多艺术更加明确了把绘画性而不是题材作为判断作品好坏的标准，尽管形式上在借鉴西方，却能看出对绘画性和民族化的不懈追求。进入 90 年代后，绘画进入对当代命题的研究，伴随着越来越多的图像进入人们的视觉经验，有部分画家借用或挪用图像来消解绘画性，继而又有政治波普和卡通一代对绘画性的彻底消解。这些画家在国外获得一定的声誉，在国内却造成当代图像符号化泛滥的绘画。面临着与西方当代绘画一样的境遇，绘画性理应被重申和拓展。
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第三章：作品中绘画性的传达......................................4
第一节技术美感传达的绘画性................................4
第二节形式美感传达的绘画性................................6
第三节材料美感传达的绘画性................................7
第四章：结合创作谈谈我对绘画性的探索............................8
结语：当代语境中绘画性的重要意义................................9
第四章.结合创作谈谈我对绘画性的探索
在画面制作上，我一遍遍的叠加出来的凹凸肌理，有的地方能看见下层的颜色，有的地方颜色盖得浓厚稠密，以此来增加画面的丰富性。在画法上，也不是一个一个的石头去复制，而是掌握它们的造型特征和整体感觉，类似于中国画所说的“意到笔不到”，有用笔触轻带而过的地方，也有着重刻画的地方，有块面的方硬也有笔点的细腻。细碎的土石和颗粒在笔触的反复交织下，呈现出结实又干涩的视觉触感，就像被人为地生生曝露在自然中，被晾晒被风化的，借此表现开发过程中触目惊心的“伤口”。那些建设工程我尽可能地画得冰冷僵直，简洁利落，与那些开凿的碎石土块形成鲜明对比，整个画面弥散着一种冷静的﹑审视的情怀，我想通过这样冷峻的绘画语言能让观者感到一种生命的荒凉孤寂和对这些看似有意义工程的不安。
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第五章.结语：当代语境中绘画性的重要意义
绘画性是我们必须坚守的，也是艺术家的最终追求。第一，本质上绘画性是绘画区别与别的种类艺术的基础，是绘画独立存在的价值。因任何的理由忽视绘画性都是本末倒置的行径，纵观全球当代艺术，几乎所有类型的艺术都是在表达观念。在这种潮流影响下，大量的绘画开始把重心放在的观念上，成为观念的载体。画得如何人们已经不再关注，画什么才是当代的成了画家绞尽脑汁的焦点。观念使得符号化的绘画盛行一时，那些死板的，概念的符号扼杀了作品的绘画性，偏离了绘画本来的意义。画家也丧失了艺术感觉和艺术思考沦为在固定模式下机械复制的生产工具。当我们看到曾梵志笔下千篇一律的面具人，陈可的大脸娃娃，我不否认确实有画家对某种现象的感受要表达，可是当他们创造出这样的形象标志后，却没有更进一步对这个形象从绘画语言的层面进行深入，也没有从观念的角度再去创造。可以说，这样的画作片面夸大了观念，看过一两张就会觉得视觉疲劳，没有什么可读性，更谈不上绘画性了。既然绘画都没有绘画性可言了，那么不如电脑做个图不是更加省力便捷，传播更广吗？
第二，注重绘画性是与中国绘画传统一脉相承的。古人画画不是注重题材内容的新颖，而是把大量精力放在笔墨韵味和绘画语言上。识别他们的画作时候，不靠简单的标志性形象，靠的是他们绘画技巧和语言本身形成的符号，这语言符号就是每个艺术家独特的绘画性表达。随着表达日益的完善深入，形成一套美学的思想，我们就可以通过一系列的画来体会画家的人生价值观念。
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参考文献（略）
